Este miércoles iremos al cine Cinesa Som Multiespai. Os dejo la lista de películas que podéis ver entre 15:45 h y 18:00, hay varias en más de una sala y pongo en varios horarios, y hay algunas películas en catalán. Que disfrutéis de la película que escojáis:
El inconveniente: 16:15 h
El padre: 17:05 h
Hasta el cielo: 16:10 h
I am woman: 16:40 h (en catalán)
La última gran estafa: 17:10 h
Los Croods una nueva era: 15:40 h (catalán) 15:55 h 16:25 h 16:55 h
Otros años no lo he hecho, pero en vista de lo que ha pasado en un grupo de Telegram, prefiero aclararlo: la noticia de ayer sobre mi futura participación en Mask singer era una inocentada.
Está lejos de mis intenciones en la inocentada del Club social faltar al respeto de un socio o socia, solo pretendo en los años que llevo publicando la inocentada sacar la sonrisa del que lo lee, especialmente en un año que ha sido muy duro para todos, hayamos perdido o no a familiares y seres queridos. Mis disculpas si mis intenciones han sido malinterpretadas.
Que el año próximo sea mucho más feliz para todos y que no tengamos que lamentar más pérdidas.
Este lunes, el programa de Antena 3 ha confirmado el primer concursante de su programa Mask singer, donde famosos aparecen enmascarados y cantan. Se trata de un misterioso tipo con máscara que tiene un pasado como guionista y actor, trabajando con una directora nominada al Goya, un actor y una actriz de programas y series de TV3 y un payaso de fama intenacional, y ha hecho varios remakes de Con faldas y a lo loco y Cantando bajo la lluvia entre otros. Veremos cuando empiece el programa quién es este enmascarado tan raro, adjunto foto:
Aunque tiene otros nombres importantes como Tonino Valerii, Enzo Barboni, Tulio Demichelli o Gianfranco Parolini, se consideran como directores claves del espaguetti western a los llamados tres Sergios: Leone, Sollima y Corbucci comparten nombre de pila y son los que mejores y más conocidas películas aportan al western rodado en Italia y Almería. De Sergio Leone ya he hablado y volveré más adelante, Sollima lo tengo pendiente y hoy es el turno de Corbucci y de la que es quizás su película más famosa junto con El gran silencio; Django.
Sergio Corbucci tardó cierto tiempo en tener la aceptación de la crítica, su estilo más humorístico y más violento lo hacía ver como director de cine de barrio y no como un gran realizador, y destacó también como director de peplums y comedias con Adriano Celentano, Terence Hill y Bud Spencer. Entre sus filmes que más destaco o recuerdo están Rómulo y Remo, El hijo de Espartaco, Joe el implacable, Los despiadados, El gran silencio, El guapo, ¿Qué nos importa la revolucíon, El blanco el amarillo y el negro, Bluff (los embrollones), Par impar, El superpoderoso y Quien tiene un amigo tiene un tesoro.
Django es su western más famoso, aunque se considera su obra maestra El gran silencio. Fue el debut en el cine del actor italiano Franco Nero, convertido en un icono del género con el peculiar ataud que arrastra al principio de la película. La historia del pistolero enfrentado a un bandolero y a un terrateniente del Klu Klux Klan es de una violencia salvaje, especialmente en los últimos minutos. A mí me parece un gran western en el que destacan dos sensacionales villanos, el hispanoargentino José Bódalo y el español Eduardo Fajardo. Fue homenajeada por Tarantino en Django desencadenado, aunque no es un remake, al igual que pasó con Malditos bastardos y Aquel maldito tren blindado, las historias de Corbucci y Tarantino no se parecen en nada.
La banda sonora corre a cargo de un habitual del wester, el italoargentino Luis Bacalov. Me parece uno de sus mejores trabajos, su tema principal y su canción son icónicos e inolvidables.
Hoy puede parecer raro que se tardasen siete años en rodar la secuela de Alien el octavo pasajero, parece ser por problemas entre los creadores y que el estudio no lo veía claro. Cada entrega siempre fue de parto complicado, como el del alien.
Finalmente de la secuela se hizo cargo James Cameron, recién salido de Terminator 1 y el guión de Rambo. Aún siendo muy bien recibida en general, algún crítico se puso sarcástico comparando en nuestro país a Ripley con Rambo llamándola Rambolina. Hoy es un clásico tan indiscutible como la primera entrega.
Cameron partió de una idea que hubiese cambiado de no haberse descartado algunas escenas en el filme de Ridley Scott. Tal como se estrenó el filme de 1979, no hay explicación alguna a de donde surgen los huevos, cosa que sí tenía una explicación en una escena descartada. Cameron imaginó una reina alien al estilo de las abejas, y convirtió primero el filme en una película de comandos y después en el enfrentamiento letal entre dos madres, Ripley y la reina Alien. Sigourney Weaver está espectacular y fue nominada al Oscar, muy bien secundada por tres actores provenientes de Terminator como Michael Biehn, Lance Henriksen y Bill Paxton, la niña Carrie Henn y el actor de comedia Paul Reiser en un registro diferente al habitual en él.
La banda sonora de 1979 compuesta por Jerry Goldsmith era muy buena, pero diversos problemas entre compositor y director no hacen que acabe de lucir bien en el filme. James Horner tuvo menos complicaciones en la secuela e hizo un resultado magnífico, para muchos su primera obra maestra, aunque a mí personalmente ya me gustaba mucho en Krull y Star trek II.
Este sábado los socios con entrada de Apropa podrán asistir al conciero del Auditori. Bajo la batuta de Baldur Brönimann y con el flautista Emmanuel Pahud como solista, la OBC interpretará las siguientes obras:
Debussy: Preludio a la siesta de un fauno:
Dalvabie: Concierto para flauta y orquesta:
Ravel: Ma mere l'oye
Espero que os guste.
Lugar: Auditori (Lepant 150)
Hora de quedar: 18:30 h (el concierto comienza a las 19:00 h)
Este viernes, y si la actual pandemia nos lo permite, retomamos tras muchos meses las actividades de Apropa y lo hacemos con 53 diumenges, obra de teatro que se representa en el Teatre Romea. En ella, tres hermanos se reúnen para cenar y hablar de su padre, ya que opinan que no puede seguir viviendo solo porque tiene extraños comportamientos en los últimos tiempos. Esta comedia está escrita y dirigida por Cesc Gay, y protagonizada por Pere Arquillué, Marta Marco, Àgata Roca y Lluis Villanueva. Espero que os guste.
El holandés Paul Verhoeven entró por la puerta grande en Hollywood con Robocop. Encontró el vehículo perfecto para su ironía y mala leche habital en el guión de Edward Neumeier y Michael Miner sobre un Detroit distópico donde el crimen siembra el caos y una corporación empresarial corrupta crea un policía robot a partir del cuerpo de un policía asesinado, guión creado a partir de ideas de Frankenstein, Blade runner, el comic de Juez Dredd y otras influencias. Tuvo un gran éxito y dos secuelas, una muy notable dirigida por Irving Kershner y una muy mediocre del director Frank Dekker, de culto por otros filmes como El terror llama a su puerta y Una pandilla alucinante, pero que se la pegó en Robocop 3; mejor olvidar el terrible remake de 2014. Se puede decir que es la primera entrega de la trilogía distópica de Verhoeven, a la que seguirían Desafío total y Starship troopers. Lanzó a la fama al actor Peter Weller, muy bien secundado por Nancy Allen, Ronny Cox y Kurtwood Smith.
La banda sonora es una de las más recordadas de Basil Poledouris junto con Conan el bárbaro; su tema principal de tono mecánico es todo un icono del cine de los 80.
Espartaco es uno de los peplums más famosos de la historia del cine, con el que los programadores de televisión siempre se hacen un lio: por muchos romanos y cruces que salgan, esta no es una película de Semana Santa, no tiene sentido programarla un Jueves Santo o Viernes Santo, es como programar el documental Rocío (prohibido en la transición) en las mismas fechas porque salen imágenes religiosas y peregrinaciones.
Porque para más INRI, está escrita por un autor afiliado al partido comunista (no es el primer autor relacionado con el comunismo que utiliza al personaje histórico para una obra, Katchaturian también hizo un celebérrimo ballet) y tiene guión de un perseguido por anticomunista. Lo dicho: muy poca relación con la Semana Santa, casi es más adecuada para poner un 14 de abril o en el aniversario de la Revolución Rusa.
Espartaco es probablemente la película más famosa y popular de las que protagonizó y produjo Kirk Douglas. Hay que reconocer que Douglas fue muy atrevido utilizando una novela del comunista Howard Fast y logrando junto con Oto Preminger en Éxodo que Dalton Trumbo pudiese firmar con su nombre un guión suyo tras estar años teniendo que usar pseudónimos y no pudiendo recoger dos Oscars al guión Por Vacaciones en Roma.
Fue comenzada por Anthony Mann (la primera escena en la cantera es suya), pero fue fulminantemente despedido por Douglas y reemplazado por Stanley Kubrick. Tiene escenas memorables, especialmente la recordada Yo soy Espartaco, y un gran reparto encabezado por Douglas, Jean Simmons, Laurence Olivier, Tony Curtis, Peter Ustinov, Charles Laughton y John Gavin. Muchos dicen que los personajes romanos están interpretados por actores británicos y los esclavos por estadounidenses, pero no es completamente cierto, Jean Simmons es británica y John Gavin estadounidense. Hubo que esperar hasta 1991 para verla completa, porque alguna escena de Olivier y Curtis sobre ostras y caracoles no pasó censura. Estuvo nominada a seis Oscars, pero no a película ni director, ganó 4: fotografía, diseño de producción, vestuario y actor secundario para Peter Ustinov (con mis respetos al gran actor británico, creo que en esta ocasión lo merecían más Olivier y Laughton).
De la banda sonora se encargó el gran olvidado de los Oscars. Alex North hizo una maravilla, con un gran tema marcial para los romanos y un bellísimo tema de amor que está a la misma altura que el del ballet de Karchaturian, Se dice que North llegó a ver 18 veces la película antes de comenzar a componer la música, desde luego es una de sus mejores bandas sonoras.
Dentro del cine políciaco, una de las variantes más populares es el llamado cine de atracos y robos perfectos, tanto en su vertiente de atracos a bancos como en la de robos de guante blanco. Tiene su máximo apogeo en los años 50 y los 60 y en esa época, por la censura los robos suelen acabar mal, capturados o muertos los ladrones o fallido el robo por una tontería. Se considera que arranca con La jungla de asfalto, y tiene títulos tan famosos como Rififí, Atraco perfecto, La cuadrilla de los once Topkapi, Como robar un millón y, o en su vertiente paródica las geniales Rufufú y Atraco a las tres.
Como el cine francés ha hecho todo un género de su cine policíaco, el llamado polar, también hay filmes de atracos y robos perfectos. Además de Rififí, el más conocido es El clan de los sicilianos. Dirigida por el notable artesano Henri Verneuil (Los cañones de San Sebastían, El serpiente y un largo etcétera), contaba la historia de una familia siciliana, que en compañía de otro ladrón planea un robo de joyas cuando es trasladado en un avión. Cuenta con tres grandes estrellas del cine galo como Jean Gabin, Alain Delon y Lino Ventura, y la participación de Sidney Chaplin, el hermano de Charles, el filme es un clásico del género..
Y es otra gran banda sonora del maestro Ennio Morricone, Su irónico tema principal es un icono, era habitual en muchos de sus conciertos y discos interpretarlo. Sencillamente maravilloso.
J. L. Thompson había hecho a principios de los 60 sus filmes más apreciados por la crítica y el público, Los cañones de Navarone, pero encadenó dos fracasos de taquilla seguidos con Taras Bulba y Los reyes del sol, y pocas veces volvió a tener el aprecio de los críticos, sí del público, acabando su carrera en la delirante productora Cannon.
Hace tiempo que no he vuelto a ver Taras Bulba, pero no la recuerdo para nada como una mala película. Se dice que el problema para el público fue que no tenía un final precisamente feliz. Basada libremente en la novela de Gogol, era un proyecto de Robert Aldrich, que acabó en las manos de Harold Hecht, productor socio habitual de Burt Lancaster en filmes como Marty. Contaba la historia de un cosaco y su hijo contra los otomanos, y está rodada en parte en Argentina. Tiene como protagonistas a Yul Brynner y Tony Curtis, y en ella Curtis conoció a su segunda mujer Christine Kaufmann.
La banda sonora me parece una de las mejores composiciones del gran músico Franz Waxman, Bernard Herrmann la llegó a considerar una de las mejores de la historia. No ganó el Oscar, con Lawrence de Arabia como competidora estaba prácticamente imposible.
Aunque a más de uno le suene a sacrilegio, Ciudadano Kane no es mi película favorita de Orson Welles, creo que como mínimo se superó a si mismo en Campanadas a medianoche y sobretodo en Sed de mal.
Aún viendo un tanto raro ver a Charlton Heston, todo el resto funciona con la perfección del reloj de la bomba con el que empieza la película, que es uno de los mejores planos secuencia de la historia del cine. La historia de la investigación de un asesinato en la frontera de EEUU y México es una de las cumbres del cine negro y de la historia del cine. Quinlan es una de las mejores interpretaciones de Welles, pocos personajes más siniestros ha habido en el cine. Hitchcock debió tomar cuenta del filme, las escenas del hotel con Janet Leight y Dennis Weaver parecen avanzar en algún momento Psicosis.
Y es la primera obra maestra de un genio de la música. Partiendo del tic tac del reloj de la bomba, Henry Mancini hace un gran tema de jazz a ritmo de saxo y percusión. Simplemente, una guinda perfecta para una película genial, curiosamente Mancini fue despedido del Estudio Universal tras hacerla, sin comentarios.
La siguiente película de Bertolucci tras El último emperador fue El cielo protector. No repitió el éxito de otros filmes del italiano, fue un notorio fracaso comercial. Era una propuesta muy arriesgada, la novela de Paul Bowles era difícil de adaptar y el público le dio en general la espalda. Destaca por la interpretación de Debra Winger y John Malkovich. En su momento me pareció notable aunque no estuviese entre mis preferidas del director italiano, hace tiempo que no la veo.
Lo que más destacó fue la banda sonora. Ryuichi Sakamoto colaboró en esta ocasión con el compositor Ricahrd Horowitz. No muy conocido por el gran público, Horowitz es un especialista en música africana y asiática, y las bandas sonoras más conocidas que ha compuesto son Un domingo cualquiera y esta. El tema principal de El cielo protector me parece muy bello, de no haber sido por el fracaso comercial seguramente habría estado más presente en las nominaciones de aquel año, solo obtuvo una en los Globos de Oro.
El primer filme de los Hermanos Coen premiado por Hollywood fue el filme de 1996 Fargo, Sigue siendo en mi opinión una de sus mejores películas esta historia sobre un vendedor de automóviles que contrata el servicio de dos matones para secuestrar a su mujer y sacarle el dinero a su suegro, y sobre la embarazada sheriff que investiga el caso. Fue premiada a la mejor dirección en el Festival de Cannes y ganó dos Oscars, al mejor guión original y a la mejor actriz principal, una espléndida Frances McDormand; a la actriz la acompañan grandes actores como William H. Macy, Steve Buscemi, Peter Stormare y Harve Presnell. La película afirma al principio que está basada en un hecho real ocurrido en Minessota, más tarde los directores dijeron que lo del "hecho real" era una broma, era una historia ficticia completamente creada por ellos.
En 2014 se creó una serie inspirada en la serie; cada temporada cuenta un suceso criminal "inspirado en hechos reales" (por supuesto completamente falsos), notable aunque la mejor temporada me sigue pareciendo la primera, en estas fechas se está emitiendo la cuarta.
La banda sonora me parece uno de los mejores trabajos del excelente compositor estadounidense Carter Burwell. Burwell es el compositor habitual en los filmes de los Coen (Sangre fácil, Arizona baby, Muerte entre las flores, Barton Fink, El gran salto, El gran Lebwski, El hombre que nunca estuvo allí, No es país para viejos, y Valor de ley, entre otras), pero ha compuesto bandas sonoras de filmes destacados de otros directores como Vida de este chico, Kalifornia, The jackal, Dioses y monstruos, Velvet goldmine, Cómo ser John Malkovich, Tres reyes, Antes que anochezca, El ladrón de orquídeas, Kinsey, Antes que el diablo sepa que has muerto, Escondidos en Brujas, Crepúsculo, Donde viven los monstruos, Los chicos están bien, Siete psicópatas, Carol, Anomalisa, Tres anuncios en las afueras y Mr Link. Tiene dos nominaciones al Oscar por Carol y Tres anuncios en las afueras, pero todavía no ha ganado la estatuilla.
Su banda sonora de Fargo es muy buena, el tono triste de su tema principal hace un potente contraste con la ironia de la historia de los Coen.
Salvo la fallida El hombre sin sombra, Paul Verhoeven demuestra tener muy mala leche en su carrera estadounidense, no deja títere con cabeza.
Y la mejor muestra es Desafío total. Partiendo de un relato muy breve de Philip K Dick, que solo mostraba la escena de la agencia de viajes virtual, Verhoeven hizo una gran sátira sobre el capitalismo y la revolución, con un agente doble (muy doble) desmemoriado, un Marte convertido poco menos que en una franquicia dictatorial y un lider revolucionario extraterrestre con la cara de Jordi Pujol (siendo Verhoeven, no tengo claro de que el parecido fuera casual). Muchos vemos una doble lectura con que la película esté en la mente de Arnold Schwarzeneger, que no habría sallido de la agencia de viajes, pero siempre he preferido pensar que no es un sueño de Arnie, el recurso del sueño casi siempre me parece un recurso facilón que estropea en parte alguna famosa película de Fritz Lang. Arnie no era según el relato el actor más adecuado para el personaje (es más bien un piltrafilla como Woody Allen), pero hizo una interpretación muy convincente dentro de su estilo, bien secundado por Ronny Cox y Sharon Stone en su primer papel de enjundia. Mejor olvidar el remake, el relato de Dick da para muchas lecturas y posibles versiones distintas, pero esa fue desastrosa.
La banda sonora de Jerry Goldsmith forrma parte de mis recuerdos no virtuales de los últimos 30 años, y no solo por razones cinematográficas, desde el estreno de la película en 1990, su imponente tema principal es usado por Canal + en muchas retransmisiones de fútbol. Me parece una de las mejores bandas sonoras de la última etapa del genial compositor, con Verhoeven estuvo a grandísima altura con esta e Instinto básico.
Stanley Kramer fue un notable productor y director estadounidense, famoso por sus películas en los 50, 60 y 70, especialmente sobre temas políticos y sociales como racismo, guerra nuclear o el nazismo. Entre las películas que produjo destacan El ídolo de barro, Hombres, Cyrano de Bergerac, Salvaje, El motín del Caine, y como director, Fugitivos, La hora final, La herencia del viento, ¿Vencedores o vencidos?, Adivina quién viene esta noche o De presidio a primera página.
El mundo está loco, loco, loco, loco es de las pocas que se alejan de la temática social. Está planteada como un homenaje a la mayor parte de la comedia estadounidense con la excusa-mcguffin de la búsqueda del botín de un gángster fallecido en un accidente y por ella circulan junto al protagonista Spencer Tracy gran cantidad de cómicos míticos en USA y Reino Unido con papeles importantes o cameos: entre los protagonistas, Miltorn Berle, Sid Caesar, Ethel Merman, Mickey Rooney, Phil Silvers, Jim Backus, Jimmy Durante, Peter Fallk y Terry Thomas, y entre los cameos Los tres chiflados, Jack Benny Buster Keaton, Joe E. Brown, Edward Everett Horton, Don Knotts, Jerry Lewis, Carl Reiner, Sterling Holloway y un largo etcétera. Es irregular, se le va la mano a Kramer con la duración de casi tres horas más intermedio, pero tiene momentos muy divertidos.
Y tiene una de las mejores bandas sonoras de Ernest Gold, colaborador habitual de Kramer. Su divertido vals me gusta personalmente más que Éxodo, la banda sonora por la que ganó el Oscar unos años antes.
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Els Tres Turons és una entitat d'iniciativa social i sense afany de lucre que es va crear l'any 1985 al Districte d'Horta-Guinardó de Barcelona.
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El Centre Civic del Carmel ha celebrado su habitual ciclo de cine Cel del Carmel, y ha organizado en él su primer concurso de suecadas. El término suecada procede de la película de 2008 Rebobine `por favor, y hace referencia a un corto creado como homenaje y/o parodia a una película famosa ,protagonizado por actores amateurs y hecho con materiales y objetos caseros que podemos encontrar en casa.
Se presentaron seis cortos a concurso, entre ellos uno realizado por nuestros compañeros de Teatro de pacotilla que era un homenaje a la película de Gene Kelly Cantando bajo la lluvia, protagonizado y grabado por los actores de la compañía en sus casas y en algún parque de la ciudad.
El corto DANCINGINTHERAIN ha sido premiado en el I CONCURSO DE SUECADES como el MAS CREATIVO. Enhorabuena a las compañeras de la Cia. Teatro de Pacotilla !!!!
🛑📣 Ja tenim aquí el setzè programa de la "Tarantela CONFITADA"
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📻 Maldito Bastardo Confinado amb la nova incorporació de Teo Martínez i BSO de HARRY EL SUCIO
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🎤 A "Mi Cancion es un Hit" Divine Comedy amb la cançó Lady of a Certain Age i MR XAVIXAN projecte musical d'en Xavi amb el temazo guitarrero Night Chicken.
👩🍳 La cuina de la Loli amb ensalada de alubias i tarta cuajada.
🚙 i per finalitzar We Can Weekend Coses per fer el cap de Setmana a BCN.
Drácula es en mi opinión la última gran película de Francis Ford Coppola, a partir de ahím quien había hecho obras maestras del calibre de la trilogía de El padrino, Apocalypse now, La conversación o La ley de la calle empieza un declive del que todavía no se ha recuperado, a la espera de ver si algún dia logra hacer su proyecto Megalópolis, lo empieza a tener muy difícil a sus 81 años.
Su versión de Drácula es muy diferente de las otras versiones que conozco, quizás la que más se le acerca en el aspecto romántico es la de John Badham, y es una versión de la novela mucho más libre de lo que se dijo en su momento. Coppola arriesga mucho visualmente con la gtan fotografía de Michael Balhaus y todo el equipo de dirección artístico, lleva hasta el delirio romántico la historia de Drácula,, y logra grandes interpretaciones de todo el reparto, especialmente Gary Oldman.
Y se apoya también en una maravillosa banda sonora. Wocjiech Kilar era un desconocido para el gran público, ya que sus trabajos anteriores eran prácticamente todos en su país de origen, y solo los más cinéfilos conocían sus trabajos para directores como Zanussi y Vajda. Su banda sonora para Drácula consta sobretodo de dos temas principales, uno más siniestre para el terror y otro más romántico para Drácula y Mina. Extrañamente, no fue ni nominado el Oscar, lo podría haber ganado perfectamente esta gran banda sonora.
A Steven Spielberg le costó mucho tiempo que la Academia le premiase, 18 años desde su primera película nominada y 16 desde su primera nominación. Tuvo que ponerse serio para que le apreciasen en su justa medida.
La lista de Schindler es ya un clásico, una de las mejores películas de Spielberg y la más famosa sobre el Holocausto y de las mejores, aunque yo personalmente prefiera El pianista (añadiría la terrorífica Ven y mira, pero no tengo claro si es un filme sobre el Holocausto). La historia del fabricante Oskar Schindler, que mientras hacía negocios con los nazis salvaba a judíos fue ofrecida a otros directores como Polanski, Sindey Pollack, Martin Scorsese, y o Billy Wilder, ya que Spielberg no estaba seguro de poder hacer una película sobre el Holocausto.
Es la película que consagra a Liam Neeson como estrella, y es la película que da a conocer a Ralph Fiennes al gran público. El currículum de Fiennes era corto, un telefilme para televisión sobre la historia de Lawrence de Arabia tras lo que cuenta el filme de David Lean. Aparte de su calidad como actor, Fiennes tiene un sorprendente parecido con el real y terrorifico Amon Göth, sigue siendo una de sus grandes interpretaciones.
Y es una de las obras maestras de John Williams. Expresó toda la rabia hacia el nazismo (ni siquiers les dedica un tema musical en el filme) y el respeto hacia las víctimas, su música de violín es una de las más bellas y estremecedoras de la historia del cine. Quinto y último Oscar de momento para Williams, ojalá pueda ganar alguno más antes de que se retire o que nos deje.
Muy buen cuarteto de nominadas: El fugitivo (James Newton Howard), La edad de la inocencia (Elmer Bernstein), Lo que queda del dia (Richard Robbins) y La tapadera (Dave Grusin). Vista la calidad del cuarteto, no sorprende que quedasen fuera dos clásicos como El piano y Parque jurásico, el nivel era muy alto y no podían entrar todas.
El último emperador es la película más premiada en Hollywood de Bertolucci y la última quizás que recibe la aprobación de crítica y público. Bertolucci venía de dirigir una película que no había funcionado como La tragedia de un hombre ridículo y tardó 6 años en levantar esta superproducción europea sobre la historia de Pu Yi, último emperador de China, títere de sus eunucos, de los japoneses y de la Revolución, y tratado más amablemente por Bertolucci de lo que parece que merecía el personaje real, por lo que he leido no tan títere en las masacres niponas en Manchuria.
Pareciéndome una excelente película, actualmente no está en el top 5 de mis películas favoritas del director italiano, creo muy superiores sus películas anteriores Antes de la revolución, La estrategia de la araña, El conformista, El último tango en París y Novecento, incluso El cielo protaector me gusta más. Creo que tiene momentos irregulares, está mejor la primera parte de la Ciudad Prohibida que la segunda parte de la invasión japonesa, y para apreciarla completamente debería ver la versión completa para televsión de 218 minutos no recuerdo si se ha visto en España y no se si se ha editado aquí. Ganó los 9 Oscars a los que estaba nominada, incluidos película, director, banda sonora y el maravilloso trabajo de fotografía de Vittorio Storaro, que es toda una obra de arte.
Es el trabajo más conocido del actor de Hong Kong John Lone. Descubierto interpretando al villano de Manhattan Sur, Lone no ha tenido demasiadas oportunidades de brillar después del filme de Bertolucci, solo me parece destacable su excelente interpretación en M Butterfly de David Cronenberg, lo demás suelen ser villanos en películas más bien flojas como Hora punta 2.
La banda sonora corrió a cargo de tres grandes músicos, el escocés David Byrne, el japonés Ryüichi Sakamoto y el chino Cong Su. Juntos hicieron una de las mejores bandas sonoras de los 80 y una justa ganadora.
Y eso que el cuarteto nominado era muy bueno: Dos John Williams (El imperio del Sol y Las brujas de Easrwick), un Morricone (Los intocables) y un George Fenton (Grita libertad).
En los últimos años le he cogido más cariño a Carros de fuego que el que le tuve en el momento de su estreno. En 1981 me pareció una película aceptable, pero sobrevalorada al lado de mis dos filmes favoritos de aquel año, En busca del arca perdida y Atlantic City. Pero en 2014 fui chico de calendario parodiando la película y en 2017 la obra Kit de construcción en la que participé incluía la banda sonora de la película, forma parte desde entonces de mi historial.
Lo que tengo que rebatir es lo que se dijo en el momento de la concesión del Oscar a la mejor película de que fuese una sorpresa el premio, cuando las favoritas eran Rojos y En el estanque dorado. Ahora que veo los premios que se había llevado antes de los Oscars sí que veo que era una de las favoritas: Globo de oro a la mejor película extranjera, BAFTA mejor película, premio mejor director Festival de Toronto a mejor director, premio Festival de Cannes mejor actor secundario, premios diversos críticos de Londres y Nueva York a la mejor película... Visto el palmarés, para nada era una sorpresa el Oscar a la mejor película.
Fue el primer filme de ficción y el de más éxito del director Hugh Hudson. Proveniente del mundo de la publicidad como los hermanos Scott, Alan Parker y Adrian Lyne, Hudson tenía un documental previo sobre Juan Manuel Fangio y varios cortos. Después de Carros de fuego, Greystoke tiene una carrera irregular con gran éxito en algunos paises y fracaso en otros, se la pega con Revolución y sus películas van de decepción en decepción, la última, Altamira con Antonio Banderas.
Carros de fuego es el descubrimiento de un gran compositor de bandas sonoras. Vangelis provenía del mundo del pop como posteriormente Hans Zimmer y comenzó curiosamente su carrera en el cine español con Mater amatísima. Carros de fuego le consagra ganando el Oscar y Blade runner le confirman como uno de los compositores más icónicos de los 80. Su tema para el filme de Hugh Hudson es mítico.
Muy buenas también las otras nominadas a banda sonora: El dragón del lago de fuego (Alex North), En el estanque dorado (Dave Grusin), Ragtime (Randy Newman) y En busca del arca perdida (John Williams.
Sentimos deciros que el Club vuelve a estar cerrado por el nuevo rebrote de coronavirus que se ha producido en Barcelona. Ojalá no dure demasiado tiempo el rebrote y podamos recuperar nuestras actividades pronto, os mantendremos informados.
Tras el desastre de 1972, la Academia entró en razón y arregló en parte el error con la primera entrega de El padrino. El padrino II ganó con todos los honores y todo merecimiento el Oscar a la mejor banda sonora en un año de formidables músicas para cine.
Aunque algunos prefieran El imperio contraataca, El padrino II es la mejor secuela de la historia del cine, o debería decir también la mejor precuela. Francis Ford Coppola hizo algo que yo no recuerdo haber visto antes o al menos de ese modo, contar a la vez los inicios de Vito Corleone y cómo se converte definitivamente en un monstruo Michael Corleone. Coppola lo hace de manera sublime, no puedo quitar ni un solo minuto ni una sola imagen de este filme desde que empieza en un funeral en Sicilia hasta que llega una escena final en un lago. Es la confirmación del estrellato de Al Pacino, es el lanzamiento a la fama definitivo de Robert de Niro, el mejor papel junto con Tarde de perros del malogrado John Cazale (merecía más la nominación que Lee Strasberg por un papel relativamente breve) y entre los secundarios brillan Robert Duvall y el escritor Michael V. Gazzo en su papel más conocido para cine. Fue la gran ganadora de los Oscars, en los que ganó entre otros película, director (el único que ha ganado Coppola como director) y Robert de Niro como actor secundario.
Y entre los Oscars, premio compartido para Nino Rota y Carmine Coppola, padre de Francis. No se conformaron con repetir los temas de la primera película, el tema siciliano que acompaña a la parte de Vito es sencillamente un prodigio, una de las mejores bandas sonoras de la historia del cine.
Gran cuarteto de nominados a banda sonora: Jerry Goldsmith por Chinatown, Richard Rodney Bennett por Asesinato en el Orient Express, John Williams por El coloso en llamas y Alex North por una banda sonora rarísima para un filme de William Castle protagonizado por Marcel Marceau que se llama Shanks.
Oscar mejor orquestación de música, adaptación o tratamiento:
El musical Camelot , compuesto por Alan Jay Lerner y Frederick Loewe se estrenó en 1960 y fue un gran éxito. Fue una de las obras preferidas de Kennedy y en la historia ha quedado la frase de su viuda comparando el reino de Camelot con el periodo en la Casa Blanca de Kennedy.
La película de 1967 sin embargo fue un rotundo fracaso comercial, aunque con el tiempo se ha convertido en una película de culto y se considera la obra maestra de Joshua Logan junto con Picnic. No debieron ayudar el retraso en rodarla (Warner prefirió hacer antes My fair lady), que Richard Harris y Vanessa Redgrave tenían menos tirón popular que Richard Burton y Julie Andrews, los actores que la estrenaron en teatro o los cortes de media hora que tuvo el filme.
Fue también la película en que se enamoraron Vanessa Redgrave y Franco Nero. Durante muchos años estuvieron divorciados, pero tengo entendido que vuelven a ser pareja desde hace unos años.
El Oscar a la mejor adaptación fue para Alfred Newman y Ken Darby. Tiene otras grandes canciones como The lusty month of may o How to handle a woman, pero la más recordada es Camelot, cantada por Richard Harris.
Doctor Dolittle y Millie una chica moderna fueron premiadas en otras categorías musicales, pero también estuvieron nominadas en esta. Destacar entre las otras nominadas Adivina quién viene a cenar.
Benvinguts al dotzè programa de La Tarantela confitat fet A CASA amb carinyu, avui comencem amb el Francesc al we can i ens recomana l'ús de les mascaretes i els seus dissenys, a Mi canción es un hit The Smiths i una canço d'autor de l'Alfons "Els Angles" al Momento Holderlin contes, relats i poesies, al Maldito bastardo confinado la BSO "The hight and the mighty" de Dimitri Tiomkin i a La cuina de la Loli Esparragos i pastel de galletas, que vagi de gust i ESCOLTEU RADIO MOLTA RADIO.
Oscar a mejor banda sonora de una película dramática o comedia.
En 1959, una película consiguió por primera vez 11 Oscars, ganando todas las nominaciones que tenía menos la de guión adaptado (ganó Un lugar en la cumbre). Nadie desde entonces ha superado el record de Ben-hur y solo dos lo han igualado, Titanic y El señor de los anillos, El retorno del rey.
Ben-Hur es la culminación del peplum en su versión bíblica, que yo diría que tiene como mayor momento de esplendor a partir de Sansón y Dalila y sigue todos los 50 con Quo vadis, La túnica sagrada o Los diez mandamientos entre otras; después de ella, el género empieza un lento declive (Espartaco y La caida del Imperio romano no son bíblicas), aunque Rey de reyes mantenga el tipo, y acaba el género bíblico con La historia más grande jamás contada (o como Jesucristo descubrió América predicando en el Cañón del Colorado, los responsables de búsqueda de exteriores se lucieron) Ben-Hur tiene una de las escenas más espectaculares de la historia del cine, la de la carrera de cuádrigas (yo diría que la más espectacular de la historia del cine), fue el único Oscar de su carrera para Charlton Heston y el tercero para William Wyler.
Y ya que estamos en los dias del Orgullo gay tengo que hablar de las declaraciones famosas de Gore Vidal sobre si la historia de Ben-Hur y Mesala es homosexual. Que conste que lo hago desde la perspectiva de un heterosexual no homófobo, no es mi intención molestar a nadie.
Vidal fue un gran escritor y un gran guionista, pero lo que contó fue de perogrullo, cualquera que vea la película nota que hay un componente gay en la antigua amistad entre Ben-Hur y Mesala (no solo en esos personajes, también en la "paternofilial" en los personajes de Heston y el romano Jack Hawkins). Añadir que el peplum, sea bíblico, mitológico o de otro tipo, está considerado el género más gay de todos, es un tópico.
Entre los 11 Oscars, Miklós Rózsa se llevó el de banda sonora, creo que es el más indiscutible de todos los no técnicos. Puedo discutir si Ben-Hur es la mejor película de 1959 estando Anatomía de un asesinato (y quedando sin nominar a mejor película Con faldas y a lo loco). También puedo poner en duda si Heston merecía el Oscar el año en que competían James Stewart y Jack Lemmon por dos de sus papeles más memorables, y Hugh Griffith lo hace muy bien como jeque árabe, pero el premio lo merecían más Stephen Boyd o Jack Hawkins, por no hablar de los dos secundarios de Anatomía de un asesinato, George C. Scott y Arthur O'Connell.
Lo que hizo Rózsa no admite la mínima duda. Su banda sonora es música celestial cuando lo requiere, tiene grandes momentos marciales en los momentos de los romanos y tiene un poderoso tema central inolvidable. Es la novena sinfonía del húngaro, su cumbre como compositor en la que invirtió la friolera de 18 meses para acabarla. Gustándome otras muchas de la historia de los Oscars (El mago de Oz, Recuerda, Desayuno con diamantes, Dr. Zhivago, La profecía, los cuatro Oscars a partitura original de John Williams, erc), en mi opinión en la mejor banda sonora ganadora de Oscar junto con Lawrence de Arabia.
Y las otras nominadas no llegan a su nivel, pero son también muy buenas: Confidencias a medianoche (Frank de Vol), El diario de Anna Frank (Alfred Newman), Historia de una monja (Franz Waxman) y La hora final (Ernest Gold)
Oscar mejor banda sonora de una película dramática o comedia:
Aunque el periodo de máximo esplendor del cine de catástrofes es la década de los 70, hay antecedentes: sin mencionar las primeras versiones de la historia del Titanic que también podrían enclavarse en el género, digamos que el cine de catástrofes de los 70 tiene dos "abuelas" y una "madre". Las "abuelas" son en los 30 las películas San Francisco y Chicago (la de Tyrone Power, no las de Cecil B de Mille y William A. Wellman en los 20 y 40 que dan lugar al musical de Bob Fosse).
Y la "madre" es Escrito en el cielo, The high and the mighty en el título original. Ha quedado relativamente olvidada en la filmografía de John Wayne por estar descatalogada fuera de USA bastante tiempo (yo diría que no se ha visto mucho en televisión al menos en mi niñez) pero si alguien la ve, percibirá enseguida que es la clara influencia de los guionistas de la saga Aeropuerto: sigue la misma estructura, vuelo con problema difícil de resolver, historías mínimas entre los pasajeros y final feliz. Fue el reencuentro entre los protagonistas de La diligencia John Wayne y Claire Trevor 15 años después y en el amplio destacan Robert Stack y Jan Sterling, nominada al igual que Trevor al Oscar por este filme. Siendo notable el filme, creo que ha envejedido mal y es una obra menor de William A.Wellman.
La música fue compuesta por el genial compositor rusoucraniano Dimitri Tiomkin, el compositor con más Globos de Oro de la historia y autor de genialidades como Solo ante el peligro, El Álamo o Los cañones de Navarone. Gran banda sonora que tiene como leitmotiv una canción silbada por John Wayne. A Tiomkin y a la productora se les fue algo la olla pidiendo el Oscar con una avioneta que surcaba el cielo de Los Ángeles con un anuncio del filme en su cola.
Entre las nominadas, El motín del Caine (Max Steiner), La ley del silencio (Leonard Bernstein) y El cáliz de plata (Franz Waxman).
El Centre Civic del Carmel ha celebrado su habitual ciclo de cine Cel del Carmel, y ha organizado en él su primer concurso de suecadas. El término suecada procede de la película de 2008 Rebobine `por favor, y hace referencia a un corto creado como homenaje y/o parodia a una película famosa ,protagonizado por actores amateurs y hecho con materiales y objetos caseros que podemos encontrar en casa.
Se presentaron seis cortos a concurso, entre ellos uno realizado por nuestros compañeros de Teatro de pacotilla que era un homenaje a la película de Gene Kelly Cantando bajo la lluvia, protagonizado y grabado por los actores de la compañía en sus casas y en algún parque de la ciudad.
El corto DANCINGINTHERAIN ha sido premiado en el I CONCURSO DE SUECADES como el MAS CREATIVO. Enhorabuena a las compañeras de la Cia. Teatro de Pacotilla !!!!
Por segundo año consecutivo, una película protagonizada por Gene Kelly se llevó el Oscar a la mejor orquestación. Aún teniendo otros números excelentes y contndo en el reparto con otros dos grandes del cine musical como Frank Sinatra y Kathryn Grayson, la escena que pasó a la historia del cine fue coprotagonizada por un ratoncito.
Su director George Sidney es uno de los grandes del musical, tiene filmes tan destacados como Escuela de sirenas, Las chicas de harvey, Magnolia, Bésame Kate, Pal Joey, Viva Las Vegas o La mitad de seis peniques. Incluso algunos de sus filmes no musicales tienen ese estilo musical, los duelos a espada de Los tres mosqueteros y Scaramouche están concebidos como números musicales.
La historia de Levando anclas como suele ser habitual en el musical es bastante sencilla, dos marinos que tienen un permiso de 4 dias en Los Ángeles. Aunque no es ni secuela ni remake, Gne Kelly y Frank Sinatra volverían a actuar juntos en una película con planteamiento muy parecido, la soberbia Un dia en Nueva York. En Levando anclas, les acompañan además de Grayson el director de orquesta José Iturbi y el niño prodigio Dean Stockwell, convertido de mayor en un excelente actor secundario.
El Oscar a mejor orquestación fue oficialmente para George Stoll, el filme incluye canciones de Jule Styne y Sammy Cahn. Digo lo de oficialmente, porque tuvo colaboración muy importante en la composición el músico de raza negra Calvin Jackson, no acreditado.
El filme ha pasado a la historia por el número musical protagonizado por Gene Kelly y el ratón Jerry (el gatoTom hacía un cameo como mayordomo). Metro Goldwyn Mayer quería hacer el número con Mickey Mouse, pero Disney se negó a ceder a su personaje estrella a otro estudio. Fue un número muy conseguido para la época, aún hoy sigue pareciéndome fabuloso.
Entre las nominadas, Los tres caballeros, La feria del estado y Rhapsody in blue.
En 1939 el Oscar a la mejor banda sonora original fue para el compositor Herbert Stothart . Ya hablé de ella en un artículo sobre los Oscars a mejor canción, así que no repetiré artículo. Como haré siempre que haya coincidencia entre banda sonora y canción, hablaré de la película y banda sonora que considere más importante, bien por calidad musical, bien por importancia histórica.
Y aunque me gusten mucho Amarga victoria (Max Steiner), Los viajes de Gulliver (Victor Young) o Cumbres borrascosas (Alfred Newman), creo que la más importante es Lo que el viento se llevó, genial partitura de Max Steiner y una de las más conocidas de la historia del cine.
Y no puedo pasar por alto la polémica sobre la película y la retirada del catálogo de HBO por su racismo. Tengo que decir varias cosas:
Evidentemente, es una película muy racista, lo es incluso más la novela de Margaret Mitchell, donde no oculta su simpatía hacia un héroe que resulta ser un fundador del Ku Klux Klan (el personaje de Leslie Howard), algo que por lo menos no menciona la película. El tono hacia la comunidad negra es en el peor de los casos de burla (la criada tonta) y en el no tan peor de compasión mal entendida o de cierta comprensión y añoranza del Viejo Sur
Siempre he expresado mi rechazo completo a cualquier tipo de discriminación por raza, opción sexual, religión, discapacidad u otras causas. Que esté en contra de la censura a Lo que el viento se llevó no tiene que ver con que el racismo de la película me parezca execrable.
Pero también estoy en contra de cualquier tipo de censura: Películas como El nacimiento de una nación, El triunfo de la voluntad o Raza me parecen ideológicamente repugnantes, más allá de que las dos primeras sean desde el punto de vista cinematográfico dos obras maestras. Pero no estoy de acuerdo en prohibirlas, aparte de por sus valores cinematográficos, creo que hay que verlas para no repetir los errores del pasado.
Aparte de sus defectos, Lo que el viento se llevó es un gran espectáculo y una de las más películas más famosas de la historia del cine, no creo que haya mucha gente que no haya oido hablar de la historia del turbulento romance entre Scarlett O'Hara y Rhett Butler en los años de la Guerra de Secesión y posteriores.Para interpretar a O'Hara el casting fue largo, se empezó a rodar la película sin protagonista y la elegida fue la entonces desconocida Vivien Leigh. La lista de directores que hicieron la película es larga, que se sepa el que acabó firmando la película y ganando el Oscar Victor Fleming (autor de El mago de Oz), pero se saben también otros como George Cukor y Sam Wood y se sospecha de alguno más no confirmado. Es tal la confusión de quién rodó cada escena, que la famosa escena de A dios pongo por testigo se desconoce quién la filmó.
Max Steiner hizo una formidable banda sonora, la más célebre de toda su carrera, aunque le costó la salud. tuvo que recibir según dice Mundo BSO asistencia médica debido al esfuerzo que tuvo que hacer para componer una partitura de más de 3 horas.. El tema de Tara es uno de los más célebres de la historia del cine.
La última canción ganadora de Oacar es (I'm gonna) love me again, compuesta por Elton John y Bernie Taupin para la película Rocketman.
Rocketman es el biopic de Elton John que cuenta su vida desde su nacimiento hasta que lanza la canción I'm still standing. Está dirigido por Dexter Fletcher, director no acreditado de Bohemian rhapsody tras el despido de Bryan tras las acusaciones de abusos sexuales y protagonizado por el actor británico Taron Egerton. Destaca por la banda sonora y por la interpretación de Egerton. Sin ser redondo, es notable y muy entretenido.
Aparte de los grandes éxitos de Elton, está el tema original que aparece en los títulos de crédito finales. Es el segundo Oscar para Elton John y el primero para su letrista habitual Bernie Taupin.
Entre las nominadas, I can't let you throw yourself away, de Toy story 4, e Into the unknow de Frozen 2.
Con esto, he llegado hoy al final de la historia de las canciones ganadoras de Oscar. Aquí solo he publicado una selección de mis artículos, si queréis verlos todos, os podéis pasar por mi blog privado:
Mañana comienzo una nueva sección dedicada a las bandas sonoras de películas. Al igual que con las canciones ganadoras de Oscar, en el blog del Club incluiré un artículo por semana.
