La última canción ganadora de Oacar es (I'm gonna) love me again, compuesta por Elton John y Bernie Taupin para la película Rocketman.
Rocketman es el biopic de Elton John que cuenta su vida desde su nacimiento hasta que lanza la canción I'm still standing. Está dirigido por Dexter Fletcher, director no acreditado de Bohemian rhapsody tras el despido de Bryan tras las acusaciones de abusos sexuales y protagonizado por el actor británico Taron Egerton. Destaca por la banda sonora y por la interpretación de Egerton. Sin ser redondo, es notable y muy entretenido.
Aparte de los grandes éxitos de Elton, está el tema original que aparece en los títulos de crédito finales. Es el segundo Oscar para Elton John y el primero para su letrista habitual Bernie Taupin.
Entre las nominadas, I can't let you throw yourself away, de Toy story 4, e Into the unknow de Frozen 2.
Con esto, he llegado hoy al final de la historia de las canciones ganadoras de Oscar. Aquí solo he publicado una selección de mis artículos, si queréis verlos todos, os podéis pasar por mi blog privado:
Mañana comienzo una nueva sección dedicada a las bandas sonoras de películas. Al igual que con las canciones ganadoras de Oscar, en el blog del Club incluiré un artículo por semana.
En 2012 la Academia de Hollywood reparaba en parte una injusticia histórica: después de 50 años y 23 películas de James Bond se premiaba con el Oscar a una película de la saga.
El tema de Adele Adkins y Paul Epworth para Skyfall era muy bueno, era un premio indiscutible, lo que no era normal es que no se hubiesen premiado y/o nominado temas anteriores como Goldfinger, Solo se vive dos veces, Al servicio de Su Majestad, Diamantes para la eternidad, Vive y deja morir, La espía que me amó o Panorama para matar, por nombrar algunos de mis favoritos.
Adele contribuyó al éxito de Skyfall, de momento la película más taquillera a la espera de ver qué pasa finalmente con el estreno de Sin tiempo para morir. Aunque sigo prefiriendo Casino Royale entre las protagonizadas por Daniel Craig, me parece una entrega muy notable, con un excelente Javier Bardem como villano. Fue la despedida de Judi Dench como M (aunque tuvo un cameo en Spectre) y la presentación de Ralph Fiennes como nuevo jefe de James Bond, y el gran Albert Finney tuvo un breve papel, que fue el último de su carrera.
La siguiente película de Bond también ganaría el Oscar, pero me parece una canción mucho más discutible, ya hablaré de ella cuando llegue a 2015.
Entre las nominadas, Pi's lullaby, de La vida de Pi, y Suddenly, de Los miserables.
En 2003, El retorno del rey, el final de la trilogía de El señor de los anillos, se unió a Ben-Hur y a Titanic en el trio de pelícuas con 11 Oscars. Si bien las dos anteriores habían tenido alguna nominación sin premio, el filme de Peter Jackson ganó todas las estatuillas a las que optaba.
Peter Jackson llevó a muy buen puerto gris el atrevimiento de filmar una novela que parecía imposible hacer para cine dada su longitud. Se le perdonaron algunas licencias, como cambiar parte del final al situar en otro momento la muerte de Saruman en la versión extendida (en la vista en cines no se veía o dejar fuera de la película a Tom Bobadil. Su adaptación es ya un clásico y le dio merecida fama a excelentes actores como Ian Mckellen o Viggo Mortensen, muy buenos hasta entonces pero con menos reconocimiento del gran público. El director neozelandés lo volvió a intentar con la trilogía de El Hobbit, pero los resultados son menos buenos, una novela de 200 páginas no daba para tres películas de casi tres horas cada una y eso afecta al resultado.
Fue la consagración definitiva del compositor Howard Shore. El canadiense ya era un extraordinario músico de culto desde sus primeros tiempos con David Cronenberg, pero no gozaba de la fama del público no cinéfilo. Su trabajo en las tres partes de El señor de los anillos es memorable, muchas de sus melodías han pasado a la memoria de todos. Shore ganó 3 Oscars por la trilogía, dos a la banda sonora por la primera y la tercera parte.
Y el tercero a la mejor canción por el tema final de la trilogía. No suelo estar de acuerdo con premiar canciones que aparecen en los títulos de crédito finales, suelen estar metidas con calzador para optar a premio sin tener que ver con el resto de la película, pero creo que no es el caso de Into the west. Es el broche final musical, un bello lamento por los que se han tenido que partir al final de la trilogía. Compuesta por Shore, Annie Lennox y Fran Walsh (esposa de Peter Jackson y guionista de la mayoría de sus filmes), es un gran epílogo musical a la trilogía y una justa ganadora de Oscar.
Destacar entre las nominadas dos temas de Cold mountain, Scarlet tide y You will be my ain true love, y la canción Belleville rendez-vous, del filme francés de animación Bienvenidos a Belleville.
Durante 1997, muchos se burlaron de James Cameron y Titanic, de su excesivo presupuesto y dudaban de su éxito comercial. Llegaron incluso a pronosticar un desastre en taquilla al estilo de La puerta del cielo. Se equivocaron.
El resultado es de sobras conocido; la película más taquillera de la historia hasta 2009 (Cameron la volvió a superar con Avatar), la que más tiempo ha ocupado el número 1 de la taquilla estadounidense (14 semanas, ni de lejos se le ha acercado nadie) y 11 Oscars de 14 nominaciones (perdió maquillaje, actriz principal y actriz secundaria), repitiendo el record de Ben-Hur (igualado años más tarde por El señor de los anillos, El retorno del rey, ya llegaremos a ella puesto que tiene Oscar a canción):
Vista ahora en 2020, y aunque crecen sus detractores, sigue siendo un gran espectáculo aún no siendo la mejor película de Cameron (sigo prefiiendo sus dos Terminator y Aliens). El director canadiense es un maestro utilizando la tecnología más avanzada y aquí consigue muy buenas interpretaciones de casi todo su reparto, aunque cometió un error garrafal poniendo a un actor horrible como Billy Zane de villano, es de lejos lo peor de la película.
Lanzó al estrellato a Leonardo Dicaprio y Kate Winslet. Ya eran más que promesas hasta entonces, pero Titanic les llevó a otro nivel. Dicaprio no ha bajado del estrellato, Kate Winslet está un tanto irregular últimamente.Volvieron a repetir como pareja en Revolutionay road con mejores resultados artísticos, aunque con menos reconocimiento.
Sacó del olvido a Gloria Stuart, actriz octogenaria que había conocido sus mejores momentos en los años 30 con títulos como El hombre invisible y Prisionero del odio, y que interpretaba el papel de Winslet en su vejez. De entre los secundarios, destacar a Bill Paxton, Kathy Bates y David Warner, excelentes como casi siempre.
Consagró a James Horner. Aunque con tendencia a repetirse en exceso y a copiar-homenajear a otros (especialmente a la sinfornía 1 de Rachmaninoff), Horner ya era grande antes de Titanic y ya lo había merecido por Braveheart dos años antes. Lamentablemente, un accidente aéreo se lo llevó en 2015, aún con sus irregularidades lo seguimos echando de menos.
Horner ganó dos Oscars por Titanic, banda sonora y canción. Compuesta en colaboración con Will Jennings, My heart will go on se ha convertido en un clásico y en una canción mil veces escuchada y versionada, no recomendada a sí a los detractores de Celine Dion, que según dicen no estaba muy segura de interpretarla. Sigue siendo una de las canciones más vendidas de la historia.
Ante la canción de Titanic, cualquiera lo tenía mal ese año. Destacar entre las nominadas Go the distance de Hércules y Journey to the past de Anastasia.
Aunque no se puede considerar del todo "una película Disney" (la produjo, pero el resultado es obra de gente ajena al estudio, como Spielberg, Zemeckis y Richard Williams), Quién engañó a Roger Rabbit dio el primer aviso de que la sección de animación Disney no estaba muerta, que estaba de parranda. La sirenita confirmó que el estudio estaba muy vivo, y vista ahora se debe considerar un título clave en la evolución del Hollywood actual, si no hubiera tenido éxito, lo habrían tenido más complicado filmes posteriores de animación de la casa y Pixar habría tenido más difíciles sus inicios, y sin su éxito quizás Disney no sería el monstruo compraestudios que es actualmente.
En 1989, Disney lleva en su sección infantil una década horribilis, no levanta cabeza comercial y/o artística, acumula fracasos como El abismo negro, Popeye, Tarón y el caldero mágico, Oz un mundo fantástico, Basil el ratón superdetective u Oliver y compañía, o películas que por su coste no han cubierto las expectativas como Tod y Toby. Solo mantiene en flote al estudio la sección "adulta "Touchstone, con éxitos de público y/o crítica como Splash, El color del dinero, Quién engañó a Roger Rabbitt o Cocktail. También han abandonado el estudio algunos de sus mejores animadores como Don Bluth o promesas como Tim Burton.
Pero en medio del desastre, toma dos decisiones que van a ser fundamentales, contratar en 1984 a dos ejecutivos jóvenes, Michael Eisner y Jeffrey Katzenberg, provenientes de Paramount, dnde habían tenido éxitos del calibre de Grease, Aterriza como puedas o la saga Star Trek. Ambos van a tardar varios años en dar resultados, pero deciden producir los dos títulos clave del renacimiento: Roger Rabbit y La sirenita.
Y toman también una decisión fundamental: confiar en un compositor y un letrista jóvenes para la banda sonora. Alan Menken y Howard Ashman habían tenido un gran éxito en teatro con el musical La tienda de los horrores, y eran dos grandes promesas.
Y en 1989 se estrena La sirenita. El resultado: el filme más taquillero de animación del estudio en muchos años y el resurgimiento definitivo de su sección infantil. Aunque haya tenido posteriormente varios fracasos, nunca ha vuelto hasta ahora a tener la terrible situación comercial de los 80. tambien se considera el inicio de la nueva edad de oro de la animación estadounidense, con nominaciones a los Oscars y presencias en festivales como Cannes, También el Oscar a la mejor animación es consecuencia de este éxito y los posteriores que llegarán del estudio (iré hablando en próximos dias de la mayoría de ellos , ya que tienen Oscar, hay un dato demoledor; de los diez oscar a la mejor canción en los 90, seis son para filmes de animación, cinco de ellos de Disney y otro producido por Katzenberg para otro estudio, en el siglo XXI también habrá varias, pero el dominio del cine de animación en la categoría de canción no es tan abrumador)
Y es la consagración para Menken y Ashman. Oscar a la mejor banda sonora y a la mejor canción. Desgraciadamente Ashman pudo disfrutar poco del éxito, el SIDA se lo llevaría antes del estreno de su siguiente colaboración juntos. Menken conseguirá entre 1989 y 1995 la friolera de 8 Oscar, de los que hablaré en próximos dias, ya que son cuatro dobletes a banda sonora y canción. Es el segundo compositor con más Oscars tras Alfred Newman (9, conseguidos eso si en 26 años).
La relación profesional entre Eisner y Katzenberg también acabó muy mal, por otros motivos de los que hablaré cuando llegue a 1994 y El rey león.
Y si todo empezó con La sirenita, el primer Oscar a la mejor canción del equipo llegó con un cangrejo y un calipo. Under the sea es un gran número bufo interpretado en la versión por Samuel E. Wright. Sin duda, es una de las mejores creaciones de Menken y Ashman.
También tenían otra canción nominada de La sirenita, Kiss the girl. Entre las otras nominadas, The girl who used to be me, de Shirley Valentine
En 1986, la carrera de Tom Cruise parece estancada, han pasado varios años desde el éxito de Risky Bussines y Legend se ha convertido en uno de los mayores fracasos comerciales de los 80. Tuvo que llegar un director británico y unos aviones para convertirlo definitvamente en una estrella.
Tony Scott era más conocido en ese momento por ser el hermano de Ridley que por su carrera como publicista y director. Además, su primer filme El ansia no había funcionado bien en taquilla, aunque se convirtiese en película de culto.
Y en eso llegó Top gun. Don Simpson y Jerry Bruckheimer volvieron a dar en la diana comercial tras Flashdance y Superdetective en Hollywood con esta historia de aviadores, convirtiéndose en la película más taquillera en USA de 1986. Es entretenida, aunque la historia es mínima, la excusa para hacer en toda regla un spot de 110 minutos de las fuerzas aéreas de EEUU, muy de acorde con la ideología de la era Reagan. Como he dicho, fue la película que hizo de Cruise una estralla, y Tont Scott se convirtió en un más que convincente director de películas de género hasta su fallecimiento en 2012, peor considerado en general por la crítica que su hermano Ridley, aunque tiene varias películas sobresalientes como Amor a quemarropa y Marea roja.
Cuando fallece Scott, uno de sus proyectos era la segunda parte de Top gun, que finalmente ha sido dirigida ahora por Joseph Kosinski (Tron 2, Oblivion) Se ha retrasado su estreno a causa del coronavirus, pero no deja de ser curioso que este proyecto de hace casi 10 años se haya hecho con alguien en la Casa Blanca peor que Reagan, está por ver si el resultado es otro spot de la era Trump.
Al éxito de la película contribuyó la canción de la película. Take my breath away está compuesta por Giorgio Moroder y Tom Whitlock, e interpretada por el grupo Berlin. Tuvo un gran éxito al igual que la película, ganó el Oscar y se convirtió en una de las canciones de banda sonora más icónicas de las segunda mitad de los 80.
Entre las nominadas estaba Mean green mother from outer space, de La tienda de los horrores. En 1986, sus compositores Alan Menken y Howard Ashman eran casi unos desconocidos; tres años después, una sirenita haría que cambiaran la historia del cine de animación en EEUU y que diesen mucho que hablar en los Oscar a mejor banda sonora y canción entre 1989 y 1995...
1969 es un año clave en Hollywood por varios acontecimientos: es el año en que una película X gana el Oscar a la mejor película (Cowboy de medianoche), en que triunfa una película que cambiará el sistema de estudios (Easy rider) y en el que la Familia Manson organiza la matanza de Sharon Tate. Nada volvería a ser igual después de esa noche de agosto, reflejada recientemente en el último filme de Tarantino protagonizado por Leonardo Dicaprio y Brad Pitt.
Y en 1969 los Leonardo Dicaprio y Brad Pitt de la época triunfaron con un western.
Dos hombres y un destino parte de la historia de los considerados últimos bandidos del Oeste clásico, Butch Cassidy y Sundance Kid, atracadores de bancos y trenes que cuando vieron que se ponía la cosa chunga en el Oeste huyeron a Bolivia, Allí hicieron el agosto, pero como le pasó al Che Guevara, el ejército acabó con ellos un dia de noviembre de 1908 tras un atraco fallido.
Algo debió de ver el guionista William Goldman en la historia de estos dos chorizos de medio pelo, èl dice que le atraía la idea de dos ladrones que tienen una segunda oportunidad en América del Sur. Pero los paralelismos con la historia del Che están ahí, y tampoco hay que olvidar el tema del triángulo amoroso entre dos hombres y una mujer, estamos en la época del amor libre. La película llega en el momento justo para ser un éxito. De todas maneras, algunos estudios no quisieron hacerla, decían que eso de huir era impropio de una película del Oeste (John Wayne no podía huir), no se enteraban de que el western había cambiado con Leone y Peckinpah.
Y para culminar la guinda del pastel, una pareja perfecta como protagonista. Aunque parezca mentira visto ahora, Paul Newman y Robert Redford no estaba previsto que fuesen pareja en la película. Paul Newman si era el elegido como Cassidy, pero para el papel de Sundance se le ofrece a Jack Lemmon (decía que era un tipo de papel que ya había hecho), Steve Macqueen o Warren Beatty. Hay que tener en cuenta que Robert Redford en 1969 es un prometedor actor, que Descalzos por el parque había funcionado muy bien pero todavía no es una gran estrella, la película que le lanza definitivamente es Dos hombres y un destino.
Falta el tercer elemento clave: la música. Burt Bacharach es un compositor de bandas sonoras y canciones en general muy pegadizas que triunfan en los 60 y que ya había sido nominado al Oscar por What's new pussycat? y Casino Royale. Compone la banda sonora de Dos hombres y un destino y una canción para la escena de la bicicleta. Raindrops keep falling on my head, muy pegadiza y alegre como es habitual en él.
El resultado, malas críticas en general para la película, pero sin embargo un taquillazo descomunal, se convierte en la película más taquillera de 1969 y una de las más taquilleras de la historia del cine. La película gana 4 Oscars, entre ellos guión, banda sonora y canción
Convierte en estrella a Redford y afianza el momento de gloria que atraviesa Paul Newman en los 60 y 70. Ambos volverán a repetir la jugada en 1973 con El golpe, otro taquillazo que además se lleva el Oscar a la mejor película. Hubo un tercer proyecto entre los dosa principios del siglo XXI, Un paseo por el bosque, pero se interrumpe por la enfermedad de Paul Newman y finalmente su papel lo hace Nick Nolte unos años después.
Sin embargo, para Bacharach es casi su último momento de gloria en el cine. Su siguiente proyecto, el musical Horizontes perdidos, es un fracaso estrepitoso, y abandona por una buena temporada el cine. Ganará el Oscar a la mejor canción en 1981 otra vez, pero ya no será lo mismo. Interpretada por B. J. Thomas, Raindrops kepp falling on my head es probablemente su mejor canción para cine.
De las nominadas a mejor canción, destacar True grit, de Valor de ley, la película que le dio el Oscar a John Wayne.
Michel Legrand se había convertido en uno de los mejores compositores europeos de los 60 gracias a sus trabajos con Godard y Jacques Demy, y ya había sido nominado al Oscar por la canción de Los paraguas de Cherburgo Je ne pourrais vivre sans toi, y es en 1968 cuando empieza a trabajar en filmes de Hollywood.
Y en uno de sus primeros filmes allí con el que gana el Oscar a la mejor canción. El caso Thomas Crown es una de las más conocidas películas de Steve Mcqueen, en el que un ladrón de guante blanco inicia una ambigua relación amorosa con la investigadora de la aseguradora que lo persigue. Es sobretodo famosa por poner de moda la pantalla partida para mostrar varias escenas a la vez y por la canción The windmills of yout mind.
Con letra en inglés de Alan Bergman y Marilyn Bergman expresa la ambigüedad de Thomas Crown., y aparece en la película en la escena del vuelo de un aeroplano cantada por Noel Harrison.
Convertida en un clásico, tiene numerosas versiones, entre otras las de Dusty Springfield, Barbra Streisand y Sting en el remake que se hizo en 1999.
Entre las nominadas, Chitty Chitty bang bang, Funny girl y Star, el gran fracaso comercial de la carrera de Julie Andrews.
Los premios que no había conseguido John Barry con sus primeras películas de James Bond lo sconsiguió con una película británica con director y actores poco conocidos y que se convertiría en lo que después se denominaría sleeper, una película modesta y sin grandes estrellas que se convierte en un éxito inesperado.
Nacida libre es una película basada en hechos reales sobre un matrimonio que adopta en Kenia una leona huérfana. Está dirigida por James Hill y protagonizada por Virginia Mckenna y Bill Travers, y tuvo tal éxito que tuvo una secuela y una serie de televisión en los 60. Hoy ha quedado relativamente olvidada, hace muchos años que no he vuelto a ver este filme para todos los públicos.
Lo que no se ha olvidado la banda sonora de Barry y la canción, compuesta también por Don Black, letrista colaborador en diversas canciones de James Bond. La banda sonora y la canción ganaron el Oscar, e interpretada por Matt Monro se convirtió en un éxito y en un pequeño clásico, de hecho de vez en cuando la escucho como sintonía de algún spot. No pareciéndome de lo mejor de Barry, es muy notable, y forma parte de los recuerdos de mi infancia.
Entre las nominadas, destacar la canción de Alfie, la película que lanzó a la fama a Michael Caine junto con la trilogía de Harry Palmer.
De entre las traducciones "peculiares" al castellano de títulos extranjeros, nos solemos olvidar de The sandpiper. Sandpiper es el ave que aquí conocemos como lavandera o pajarita de las nieves, y a ella se refiere el título de la película ganadora del Oscar a la mejor canción en 1965, pero o no le debió gustar al traductor o no lo debía conocer, el caso es que le puso Castillos en la arena, delirante.
The sandpiper es la tercera película que protagonizaron juntos Elizabeth Taylor y Richard Burton tras Cleopatra y Hotel Internacional, buen melodrama de Vincente Minelli sobre la relación amorosa entre una artista madre soltera y el director del colegio de su hijo. Es una de las más conocidas películas de la pareja y destaca por su banda sonora, especialmente la canción principal, The shadow of your smile, compuesta por Johnny Mandel y Paul Francis Webster. La versión más conocida es la de Tonny Bennett (la que incluyo aquí, solo he encontrado de la película los títulos de crédito con la música instrumental), pero ha tenido otras versiones de artistas como Andy Williams, Nancy Sinatra, Bobby Darin o Astrud Gilberto. Todo un clásico.
Como dos pedazo clásicos son dos de las nominadas ese año: Je ne pourrais vivre sans toi de Los paraguas de Cherburgo y ¿What's new pussycat?
Era el año de Mary Poppinns como banda sonora original (con permiso de La pantera rosa) y es lógico que ganase el Oscar a la mejor canción, dado que la banda sonora de los Hermanos Robert B. y Richard M. Sherman es una de las mejores de la historia de Disney. Lo raro es que la película tuviese una sola canción nominada, lo merecían también A spoonful o sugar o Supercalifragilisticexpialidocious, tengo la impresión que en los primeros años solo se nominaba una canción por película, porque no he visto hasta ahora dos canciones en un mismo año de la misma película.
Ganó una de las más famosas, Chim chim cher-ee, interpretada por Dick van Dyke y los niños Banks en la película. La canción es muy buena y la película todo un clásico, por mucho que a la escritora P L Travers no le convenciese la idea de mezclar imagen real y animación, incluir canciones y edulcorar la ironía de la historia. Convirtió en estrella a Julie Andrews y sigue siendo la mejor mezcla de animación e imagen real junto con Quién engañó a Roger Rabbit.
Destacar entre las nominadas Hush hush sweet Charlotte (Canción de cuna para un cadáver) y otro clásico de Frank Sinatra, My kind of town.
No he logrado encontrar en ninguna base de datos fiable el título en España del filme Papa's delicate condition, el filme al que pertenece la canción ganadora de 1963, sospecho que no se debió estrenar en nuestro país, desde luego yo no he visto esta película. Por lo que he leido, está basada en un libro autobiográfico de la escritora Corine Griffiths, en el que cuenta su relación con su padre alcohólico en un pueblo de Texas. Estaba prevista que la protagonizase Fred Astaire en los 50, pero acabó protagonizándola el gran actor Jackie Gleason, dirigido por el veterano George Marshall, director de filmes de Stan Laurel y Oliver Hardy, Jerry Lewis, Glenn Ford y de parte de La conquista del Oeste, entre muchas otras.
El filme no lo conoceré, pero la canción Call me irresponsible es un clásico de la música americana. Compuesta por Jimmy van Heusen y Sammy Cahn, probablemente la versión más famosa es la interpretada por Frank Sinatra, pero hay multitud de versiones posteriores de entre otros Judy Garland, Fred Astaire o Michael Bublé.
En la película no se puede apreciar del todo bien la calidad de la canción, está cantada por Gleason en plena borrachera a un maniquí. Por eso en este caso incluyo también la versión de Sinatra.
Destacar entre las nominadas tres grandes canciones: Charade, It's a mad, mad, mad, mad world y More. No estaba nada mal el año, aparte de la ganadora merecía ganar también cualquiera de las otras tres.
Y destacar desde mi punto de vista personal un dato sorprendente. 1963 es el año de la primera canción de una pelicula de James Bond, From Russia whit love. Hasta 1973 la Academia ignorará entre las nominadas todas las canciones de la saga oficial y no nominará ninguna hasta Vive y deja morir (hay una canción Bond no oficial nominada en 1967, ya llegaré a ella). Hasta 2012, no se dará ningún Oscar a una canción Bond. Teniendo en cuenta la calidad de unas cuantas no nominadas o no premiadas, el dato es increible.
Si Desayuno con diamantes es la consagración de Blake Edwards y Henry Mancini, Dias de vino y rosas es la confirmación del talento de ambos. A partir de ahí, forman uno de los mejores binomios director-compositor de la historia del cine, junto con Fellini-Rota, Hitchcock-Herrmann, Leone-Morricone o Spielberg-Williams. El talento de Edwards creando gags se combina perfectamente con la ironía y la clase de Mancini; con muy pocas ocasiones en que trabaja con otros compositores como La semilla del tamarinco (John Barry) o Dos hombres contra el Oeste (Jerry Goldsmith), Mancini se convierte en el compositor habitual de Edwards con grandes películas y melodías como la saga de La pantera rosa, El guateque, 10 la mujer perfecta o Victor/Victoria. La unión se rompe a la vez con la muerte de Mancini y el retiro de Blake Edwards tras El hijo de la pantera rosa, quizás el peor filme del director.
En cuanto al filme de 1962 Dias de vino y rosas, es con toda seguridad el mejor filme no cómico de Edwards, que pocas veces conseguía grandes resultados fuera de la comedia, y también el mejor filme sobre alcoholismo con Dias sin huellas. Adaptación de un telefilme protagonizado por Clift Robertson y Piper Laurie, logra un gran filme sobre el descenso a los infiernos del alcohol de una pareja. Parece ser que tanto Edwards como los protagonistas Jack Lemmon y Lee Remick eran alcohólicos hasta ese momento, sabían muy bien de qué hablaban. El título de la película y del telefilme provienen de un poema de J P Miller
Mancini por su parte hace una gran banda sonora, y compone otra vez con Johnny Mercer una gran canción en los títulos de crédito (formidables, no he encontrado quién es el autor de los mismos), muy triste y muy bien interpretada por el cantante Billy Eckstine. Versionada entre otros por Frank Sinatra, Perry Como, Shirley Bassey, Tony Bennet o Ella Fitgerald, es un clásico.
Destacar entre las nominadas dos grandes canciones como Tender is the night y Walk on the wild side.
La ganadora de este año es como dije con ocasión de Over the rainbow una de las canciones más importantes de la historia del cine y por tanto de los Oscar: Moon river, compuesta por Henry Mancini y Johnny Mercer. Mil veces versionada y homenajeada, es todo un clásico.
Y como diría otro filme, el comienzo de una gran amistad. Mancini y el director Blake Edwards ya habían trabajado juntos en algún filme anterior como Operación Pacífico, pero es aquí donde empieza su más fructífera colaboración hasta la muerte del compositor y la retirada del director. Y aunque Mancini ya daba muestras de genialidad en Sed de mal y Edwards prometía en Operación Pacífico, Desayuno es el filme que los consagra a los dos. Mañana seguiré hablando de ellos, puesto que la canción ganadora de 1962 es otra maravillosa colaboración entre ambos en un estilo muy diferente.
En cuanto a la película Desayuno con diamantes desde luego para mí es una maravilla, probablemente la mejor comedia romántica de la historia. Discrepo de los que dicen que suaviza en exceso la novela de Truman Capote, ni veo tan dura la novela ni tan blanda la película, Edwards le da un toque de amargura y tristeza a esta historia de amor entre una prostituta y un gigoló superior a la novela y lo único que chirría es la interpretación de Mickey Rooney como japonés (no es que lo haga mal, lo hace bien comparado con Marlon Brando en La casa de te en la luna de agosto, pero no cuela).
Y sobretodo es un acto de amor a Audrey Hepburn. Yo no se cómo la hubiese hecho Marilyn Monroe. que era la primera opción, seguramente muy bien dado lo gran actriz de comedia que era, pero hubiese sido otra cosa diferente. Hepburn le da otro tipo de fragilidad a esta prostituta y le da una elegancia que no tiene Monroe. Con permiso de Vacaciones en Roma y Sabrina me parece la mejor intepretación de Audrey Hepburn, y desde luego su personaje más icónico.
Y en cuanto a la canción, parece ser que es un homenaje de Johnny Mercer a sus recuerdos infantiles en Savannah (Georgia). Algún directivo de Paramount ciego y sordo parece ser que intentó eliminarla de la película, afortunadamente no le dejaron, y le da el toque perfecto de fragilidad y tristeza al personaje de Holly en la maravillosa escena de la guitarra. Todo un clásico que ha pasado a la historia del cine.
Entre las nominadas, otra canción compuesta por Mancini, Bachelor in paradise, la canción principal de El Cid, y la canción Pocketful of miracles, de Un gangster para un milagro, último filme de Framk Capra.
Jules Dassin es uno de los directores víctimas de la Caza de brujas más famosos. Autor en EEUU de tres obras maestras del cine negro como Fuerza bruta, La noche y la ciudad y La ciudad desnuda, la acusación de comunismo le obliga a huir a Europa, primero a Francia donde hace dos filmes muy conocidos, Rififí y El que debe morir.
Y en 1960 una película griega le cambia la carrera y la vida personal. Nunca en domingo es una película sobre la relación entre una prostituta de Atenas (la actriz Melina Mercouri) y un escritor (el propio Dassin), que se convierte en un gran éxito y gana varios premios. Además de lo profesional, Dassin y Mercouri se enamoran y se casan varios años después. Como resultado, una unión profesional que se prolonga en cinco películas (las más famosas, Fedra y Topkapi) hasta la entrada en la política de Mercouri, y una unión de pareja sentimental que continua hasta la muerte de la actriz.
Y como dije, Nunca en domingo gana varios premios, entre ellos el de interpretación en Cannes para Mercouri. Y el Oscar a la mejor canción para el tema principal que interpreta la actriz, Ta paidia tou Piraia (Los niños del Pireo). Compuesta por Manos Hatzidakis, se convierte en todo un éxito y una canción mítica muchas veces versionada.
De entre las nominadas, destacar otra canción muy famosa en su momento, The green leaves of summer, de El Álamo.
Millonario de ilusiones, el penúltimo filme de Frank Capra, tuvo cierto éxito de público, aunque como ya dije aquí, el tiempo del director ya había pasado, ya era un dinosaurio cuyo mensaje estaba un tanto anticuado.
Ganó el Oscar por su canción High hopes, notable título de Frank Sinatra, aunque relativamente menor actualmente en su discografía. Tiene más interés histórico ya que John Kennedy lo usó al año siguiente como sintonía de su campaña electoral. En la película está cointerpretado con el niño Eddie Hodges y está compuesto por Sammy Cahn y Jimmy van Heusen. Ha tenido versiones de entre otros Sammy Davis Jr, Doris Day, Bing Crosby y Robin Williams.
Entre las canciones nominadas un gran clásico del western como es la balada de El árbol del ahorcado.
Sin estar del todo seguro, creo que no he visto la película La máscara del dolor, biopic de Joe E. Lewis, cantante que por culpa de un ataque de un mafioso de Al Capone perdió la voz y se convirtió en un famoso humorista. Desde luego, no es de las películas más renombradas de Charles Vidor, director de Gilda y de Las modelos, y no es uno de los títulos más recordados de Frank Sinatra actor.
Pero sí que ha pasado a la historia la canción All the way, memorable clásico de Sinatra cantante compuesto por James van Heusen y Sammy Cahn. Versionada entre otros por Bing Crosby, Mina, Sam Cooke, Billie Holliday o Celine Dion, por lo que veo en la película apenas suena, ya que Sinatra la interrumpe a medio por algo que pasa en la película, es por eso que incluyo otra grabación para escucharla en todo su esplendor.
Entre las nominadas, destacar An affair to remember, tema principal del remake de 1957 de Tú y yo.
Si en las películas de Hitchcock el maestro y sus compositores siempre prestaban especial atención a la banda sonora (salvo en Los pájaros, que carece de música), donde más importancia tiene el uso de la banda sonora es el en remake de El hombre que sabía demasiado, ya que es el doble macguffin de la trama: el intento de asesinato en el climax es durante un concierto en el que la obra musical es clave en el momento del disparo, y una canción es clave para que el matrimonio encuentre a su hijo secuestrado.
Aquí la banda sonora original de Bernard Herrmann queda relegada a un segundo plano y la música del concierto pertenece al compositor Arthur Benjamin y su cantata Storm cloud. Herrmann hace un cameo como el director de la orquesta.
Para la canción se encargaron Jay Livingston y Ray Evans, quienes compusieron una canción que ganó el Oscar, se convertiría en mítica y en la canción más icónica de su intérprete y actriz protagonista Doris Day: Whatever will be, will be (Que será, será).
No parecía Day la actriz más idónea para Hitchcock, no daba el tipo habitual del británico de rubia fria pero que es una bomba sexual a punto de estallar, pero creo que cumplió con creces con James Stewart haciendo el papel de pareja prototípica estadounidense metida por accidente en la conspiración de asesinato, Desde el punto de vista musical, su interpretación es magnífica y la canción, casi una nana, es muy buena.
También había otra canción extraordinaria entre las nominadas, True Love, compuesta por Cole Porter para el filme Alta sociedad.
Creo que la edición de 1955 es en mi opinión la que mejores canciones nominadas tiene hasta el momento de las que he revisado. I'll never stop loving you, Sometting's gotta give, (Love is) the tender trap y Unchained melody son cuatro grandes clásicos versionados en multitud de ocasiones, aunque curiosamente la primera versión de Unchained melody es casi una desconocida, dada la popularidad que alcanzó la versión de los Righteous brothers a partir de la película Ghost.
Y quien se llevó el premio es otro gran clásico y una de las bandas sonoras más famosas de la historia del cine: Love is a many splendored thing, perteneciente al drama romántico del mismo título, lamentablemente traducido en España como La colina del adiós (a eso lo llamo yo un spoiler en toda regla, conociendo el final; siempre hablamos de La semilla del diablo como título spoiler, pero este también es horrible). La película, un Love story de los 50 entre un periodista y una doctora euroasíática en el Hong Kong de la Guerra de Corea, es un notable melodrama, aunque cueste pensar en Jennifer Jones como mestiza euroasiática. La banda sonora del genial Alfred Newman y la canción compuesta por Sammy Fain y Paul Francis Webster se convirtieron en todo un clásico y una de las bandas sonoras más versionadas de la historia del cine; la versión más recordada es probablemente el arranque de Grease en la playa.
Si la comentada hace unos dias Capitán Harvey es la precursora, a partir del rodaje en 1951 de Quo vadis? se suceden los rodajes en Italia de películas de Hollywood durante los años 50 y 60, tanto en exteriores (Vacaciones en Roma; Dos semanas en otra ciudad) como en interiores (Ben-hur, Cleopatra). Cinecittà se convierte en la segunda casa de Hollywood. La revista Time llamó al fenómeno Hollywood on the Tiber, luego parte se trasladaría a España, pero con algo menos de repercusión.
Y entre las películas rodadas allí, una de las que más éxito tiene en su momento es Three coins in the fountain, que para variar los distribuidores españoles rebautizaron con el cursi título de Creemos en el amor. El filme del rumano Jean Negulesco (Belinda, Cómo casarse con un millonario) No pasaba de ser una comedia romántica algo cursi y blandita y con tono de postal turística sobre tres mujeres que piden un deseo a la Fontana di Trevi. Hace tiempo que no la veo, y me temo que habrá envejecido mal, pero en su momento cayó simpática, y además tenía como apoyo una excelente canción, ganadora del Oscar en 1954.
La canción Three coins in the fountain está compuesta por Julia Styne y Sammy Cahn e interpretada en el filme por Frank Sinatra (su primera canción que gana un Oscar). Se ha convertido en un clásico con multitud de versiones (Dean Martin, Doris Day, Matt Monro, Mantovani...) y es probablemente lo más recordado de la película actualmente. La película tiene guión del escritor John Patrick, autor también del libreto de la película de la que hablaré mañana.
No estaba nada mal el año de nominadas, Count your blessings instead of sheep de Navidades blancas y The man that got away de Ha nacido una estrella son dos clásicos de Bing Crosby y Judy Garland respectivamente.
